Usures
Un point d’exclamation
Usures est un film documentaire de Sebastien De Buyl, un jeune réalisateur belge, qui aborde le retrait de l’Homme de la vie courante. Il a été projeté au Cinéma Galeries le 7 mai dernier, dans le cadre de la 14e édition du Festival Millenium, un festival qui a pour objectif de reconnecter l’être humain à l’essentiel.
Lorsque je suis sortie de la salle de cinéma, le monde m’a paru étranger. L’effervescence habitant la Grand-Place de Bruxelles contrastait l’émotion qu’Usures avait installée en moi : détachée de la réalité, extérieure au monde, je me sentais loin des apparences, du rythme effréné de la vie et, avec étonnement, particulièrement proche du « vrai ». Je ne parlerais pas de délivrance, car être placée, soudain, au plus proche du réel, plonge dans une assurance aussi limpide qu’inconfortable. En une demi-heure, Sebastien De Buyl avait réussi à me connecter à l’humain, aussi doucement qu’une méditation, mais également aussi brutalement qu’une prise de conscience.
Usures, c’est quatre danseurs qui essayent d’exister dans un milieu particulier : celui des couloirs souterrains des transports publics.
Ce documentaire est en fait né d’une rencontre entre Sebastien et Saïd, un chorégraphe sans-abri. L’objectif a donc été de focaliser l’attention du spectateur sur le rapport à l’espace et au monde de quatre danseurs dans ces lieux. Ces expressions corporelles sont entrecoupées des gros plans isolant des endroits sales, fissurés ou usés qui sont accompagnés de textes récités par une voix off. Ce n’est pas directement celle de Saïd, celui-ci ne voulant pas apparaître dans le court-métrage, mais ces poèmes narratifs, composés par le réalisateur à partir de ses échanges avec celui-ci, rendent hommage à la vision du monde de ce sans-abri. Ceux-ci peuvent paraître nébuleux, difficiles à comprendre, mais permettent au spectateur de capter le ressenti, la sensibilité de son vécu.
La danse est plutôt de l’ordre de l’expression corporelle et chaque danseur s’exprime différemment, alors que l’un d’eux cherche le contact avec les gens circulant dans la gare, une autre signifie l’indifférence de ceux-ci face à un individu qui essaye de se mettre en mouvement, de se lever, de tenir debout sans jamais y arriver. Par rapport à ses chorégraphies atypiques, des sourires se partagent ou des regards inquiets dévisagent. Ces danseurs sortent des codes et des mouvements de cette gare, ils se démarquent par des gestes parfois fluides, parfois saccadés. Ils sont le reflet des sans-abris habitant, dans la solitude et le vide, ce lieu public et agité.
Saïd est un sans-abri qui a décidé de ne plus appartenir au monde. Tout au long du film, les protagonistes n’hésitent pas à se frotter aux murs ou au sol de cet endroit particulier, voire à se confondre avec celui-ci, une manière pour eux de signifier les limites du Nouveau Monde auquel appartient Saïd. Il y a quelque chose de dérangeant dans la vision d’un être humain dansant, collé à un escalator ou à des murs sales : ça perturbe la manière dont on perçoit ces lieux dans lesquels on passe. Le traitement de la perception auditive participe aussi à l’insertion du spectateur dans ce monde qui est propre à Saïd : les sons de ce documentaire sont essentiellement ceux des couloirs souterrains et des respirations, des essoufflements des personnes qui s’y meuvent, bruits caractéristiques en danse contemporaine.
Avec ce film, Sebastien De Buyl traite merveilleusement bien de la rencontre humaine et de ce qu’elle peut apporter. Il éveille la perception du spectateur et ainsi, son esprit.
Héloïse Trioen 16/05/2022
À la rencontre du « moi accidentel »
Entretien avec Sebastien de Buyl
Le 7 mai dernier, Usures, le dernier court-métrage de Sebastien était projeté au Cinéma Galeries à Bruxelles. Karoo est parti à la rencontre de ce jeune réalisateur et de son processus de création. L’occasion de découvrir plus en détail cette œuvre singulière, née d’une rencontre avec un ancien chorégraphe devenu sans-abri.
Comment avez-vous rencontré Saïd, ce sans-abri qui vous a inspiré Usures ? Est-ce le fruit du hasard ?Je ne crois pas au hasard. Je pense qu’il y a des synchronicités qui font qu’on rencontre certaines personnes à certains moments de nos vies. Chaque rencontre a lieu pour une raison bien précise. Depuis que j’ai commencé à vivre en ville à 18 ans, je vais au contact des sans-abris : je m’assieds à leurs côtés et je parle avec eux pour découvrir leur histoire. Ma rencontre avec Saïd a été particulière parce qu’il y avait un background culturel de référence à partager.
À quel moment la création de ce court-métrage est-elle devenue une évidence ? On a commencé le film avant de rencontrer Saïd. Au départ, nous faisions des laboratoires sur les flux : on travaillait à accélérer ou à ralentir la foule, à la faire dévier de ses trajectoires dans le plus ancien couloir de la gare du Nord de Bruxelles, maintenant rénové. Cette partie du processus de création est peu présente dans le court-métrage. Nous avons privilégié l’expression des flux dans leurs absences, en échos à l’éclipse de Saïd dans le film. Les traces d’usures ou de frottements parlent de cela.
Comment avez-vous choisi les lieux dans lesquels filmer les chorégraphies ainsi que les focalisations sur la saleté, l’usure ? Le point de départ, c’était de tourner dans le couloir de la gare du Nord. Il était pour moi particulier, car représentatif de Bruxelles où circulent autant les SDF que les fonctionnaires avec leur mallette de travail. On y retrouve la mixité totale, un chassé-croisé de plein de personnes. Les plans des interludes se fixent sur l’usure ou le frottement. Ils ont été tournés dans différents endroits. On a travaillé par errance et repérages pour trouver ceux avec une véritable singularité, qui racontent au mieux l’espace d’un sans-abri qui vit proche des murs, du sol et qui fixe parfois le même mur toute une journée.
La plupart des sons présents dans le film documentaire semblent authentiques. Racontez-nous votre processus de création quant aux sons du film. Notre volonté était de rendre compte d’une spatialisation sonore, de garder les sons du lieu et nous avons eu la chance d’avoir de bonnes prises de son. Ceux-ci pouvaient être avantageux et contraignants. Nous avons dû garder certains bruits alors que nous aurions préféré les enlever dans l’idéal. J’ai également fait pas mal de bruits grâce à des micros stéréo. Je me baladais dans le métro et je captais les sons. Par exemple, j’ai ajouté des sons à une scène pour renforcer la perception des dalles qui se chevauchent.
Dans le film, des textes sont cités. Les avez-vous coécrits avec Saïd ? Plus généralement, comment celui-ci s’est-il impliqué dans la création ? Je l’ai enregistré pendant un an. C’était des monologues, parfois des discussions. Je me suis empreint de ces échanges et de ce que je ressentais de lui pour figurer son absence au monde. Saïd est un sans-abri sédentaire qui n’a pas une vie nomade. Il n’a d’ailleurs pas voulu rencontrer les danseurs ni participer au film. Il a toujours été au courant de mon projet et il a toujours été ravi de l’idée, mais il n’a jamais voulu aller plus loin que les enregistrements. Saïd est un observateur stoïque et il dit qu'il n'y a rien à ajouter au monde. Ça n’a pas été facile d’écrire les textes. Tout est une question d’équilibre entre le littéral et le symbolique. Il faut rester cohérent avec le reste du film, les images qui précèdent et qui suivent. Je voulais que ces textes se décrochent du réel tout en restant en résonance avec celui-ci, que les spectateurs les perçoivent et s’y projettent individuellement. Ils devaient avoir une qualité réflexive. En ce sens, la voix qui les prononce représente la voix de l’espace. Elle est à l’image d’une mère nourricière, d’une grande couveuse qui apporte les enfants avant de naitre, qui bordent les rejetés de la société. Elle a aussi une qualité sacrée : c’est l’idée d’une voix de l’ailleurs qui a accès aux autres vies, qui n’appartient pas seulement à l’ici et maintenant.
Quelles sont les problématiques que vous désiriez soulever avec ce film documentaire ? Avez-vous eu d’autres inspirations que le témoignage de Saïd ?Je désirais pirater le réel en essayant de trouver une brèche. Nous sommes sans cesse partis du moment présent, nous avons opéré sous forme d’essais-erreurs sur lesquels nous travaillions de manière furtive avec une danseuse (Géraldine Amiel) et ma cheffe opératrice, Nastasja Saerens. Je me suis inspiré des écrits sur la microsociologie de Harold Garfinkel, de ses écrits traitant de la norme et des déplacements en société. Par exemple, comment ça s’organise de manière non verbale entre les gens, comment ceux-ci s’arrangent pour passer à gauche plutôt qu’à droite, comment la norme maintient l’ordre et donc matérialise les rapports de force.
Pourquoi avez-vous choisi la danse comme mode d’expression ? La chorégraphie était évidente pour traiter de ces rapports brefs de corps à corps, de regards à regards. Il y a toujours eu l’envie d’utiliser la danse comme expression qui permettrait de remettre en question la norme et le rapport au quotidien. J’avais le désir d’inscrire la danse dans le monde et pas à côté, comme ça peut être le cas dans les films contenant de la danse. La danse est avant tout synonyme de mouvements et de déplacements, mais renvoie aussi à la notion d’un champ de bataille dans lequel il faut puiser, récupérer pour retrouver l’harmonie. J’ai moi-même un rapport particulier avec les espaces souterrains que j’aborde dans ce film court, étant un peu claustrophobe (rires). J’ai véritablement été à la rencontre de ma peur, j’ai tenté d’harmoniser ces lieux qui m’angoissent de prime abord. Le tournage n’a d’ailleurs pas toujours été facile, l’équipe étant immergée dans le métro tout au long. Ce fut notamment fatigant pour les oreilles (rires). Usures est un film avec plusieurs cases qui se cochent et le rapport entre une chose et une autre n’y est pas toujours clair. Le défi a été de dépasser le stéréotype des films de danse et de l’intégrer dans un festival où ils ne sont pas spécialement présents. J’avais la volonté de faire de la chorégraphie un véritable moyen d’expression qui se vaut.
Les chorégraphies visibles dans le film étaient-elles préparées ou improvisées ? C’était avant tout un travail collectif, d’équipe ! Je lançais des improvisations, des directions en direct sur des changements d’état et les danseurs s'appropriaient ses suggestions. Nous avons travaillé avec Maeva Lambert qui nous a aidés à préciser le travail pour aller plus loin dans la rencontre, avoir une répartie physique, toucher véritablement une réflexion. Le travail chorégraphique s’est créé à partir du vécu de Saïd, mais aussi des zones personnelles des danseurs. Nous avons cherché notre marginal intérieur et nous avons puisé dedans pour comprendre ce qu’il se serait passé si on avait fait d’autres choix et ou si l’on se retrouvait dans cette situation. Ainsi, nous avons créé un « moi englobant accidentel », un moi créé à partir des autres et de leurs accidents personnels.
Pourquoi avez-vous choisi quatre danseur·ses pour représenter le témoignage d’une personne ? Représentent-ils chacun distinctement un trait du vécu de Saïd ? Les récits de Saïd en particulier résonnent avec les expériences des performers qui eux-mêmes sont pris dans les griffes d'autres types de domination, de stigmates identitaires et de mise à l'écart qui viennent mettre en lumière l'exclusion de Saïd. Son histoire se déplace pour universaliser l'exclusion comme un tout à combattre avec les corps et les paroles, à travers les explorations de leurs problématiques sociales les performeurs reprennent le pouvoir sur leurs présents. Je tenais à représenter la multiplicité de Saïd qui peut être toutes ces choses : il peut avoir le sentiment d’être un étranger sur les frontières de la folie ou d’être un monstre qui n’arrive plus à se relever. Je voulais aussi refléter la complexité d’un être humain. Chaque danseur a cherché à montrer sa propre monstruosité. Usures raconte plusieurs corps et plusieurs types d’usures. C’est la synthèse de ce « moi accidentel ».
Héloïse Trioen 27/05/2022